Les vrais hommes pleurent. Au moment où il va fêter ses 60 printemps, David Linx choisitd’affirmer que la sensibilité est une force, 30 ans après

« Up Close », ce piano-voix prophétique qui s’ouvrait sur I Tell My Heart. Une belle constance chez celui dont il faut bien réaliser qu’il est un pionnier sur le continent européen. Si les chanteurs de jazz y abondent aujourd’hui, il n’en était rien en 1988, quand David Linx, qui chante depuis ses 10 ans, délaissait la batterie pour le chant.

Sous la double influence, dès ses débuts, de Betty Carter, championne toutes catégories des castings de pianistes et de Mark Murphy - dont il fut parfois le batteur en Europe - qui concilia bop et poésie, dans « Real Men Cry », David poursuit ses échanges avec le trio de funambulescomposé de Grégory Privat, Chris Jennings et Arnaud Dolmen. En prime, il y excelle en songwriter accompli.

La grande nouveauté ici est la présence, d’un bout à l’autre, comme une seconde voix, du trompettiste Hermon Mehari. Tout sauf une surprise pourtant du côté de David Linx. « J’ai souvent travaillé avec Paolo Fresu, confie-t-il. À mes débuts, quand j’étais encore batteur,j’accompagnais Harry Sweets Edison. Puis, en tant que chanteur, il y a eu Clark Terry, Benny Bailey, Joe Newman Erik Truffaz, Kenny Wheeler…» Et rappelons-nous que l’association trompette-voix, finalement assez rare, a donné lieu à quelques sommets entrés dans l’histoire, il suffit de penser à Sarah Vaughan ou Helen Merrill en compagnie de Clifford Brown, ou plus près de nous, à Norma Winstone avec Kenny Wheeler. Sans compter Chet Baker face à lui-même.

Le choix d’Hermon Mehari pour la trompette ressort de l’évidence pour

David : « Écoutez comment il phrase sur The Growing Stone. Sa mise en place

est splendide de naturel. J’adore comme il transcende la tradition, sans la nier, mais en se projetant dans l’inconnu. » D’autant plus appréciable que l’assise du groupe est on ne peut plus solide : cela fait sept ans que David voyage sur le tapis volant que lui tissent Grégory Privat, Chris Jennings et Arnaud Dolmen. Une présence rythmique imparable que David a admiré chez Shirley Horn « où tout est parfaitement « placé ». Comme chez Michael Brecker, la moindre note y est audible. »

C’est dans un registre de poésie pure que se situe « Real Men Cry ». L’album a été écrit et composé sur mesure pour ce quartet-là, et à ce moment-là de la trajectoire de David Linx. Ils’agit pour lui « de ne pas « jouer » au chanteur de jazz, mais plutôt d’évoquer des émotions. D’ici et maintenant. La nostalgie est le plus grand ennemi des artistes. » Un nouveau répertoire qui s’avère une plongée dans la fraicheur. Y compris pour les quatre compositions empruntées (à Youcef Boukella, Diederik Wissels, Mario Laginha et Grégory Privat), tous les textes sont de la plume de David Linx.

Avec sur le fond une balance très personnelle entre images philosophiques (la maturité assumée) et poésie un brin surréaliste (sa signature depuis toujours). Sur la forme, une conviction : « La syllabe doit accueillir les idées. Exactement comme pour l’improvisation vocale, avec une parfaite exactitude rythmique. » Et aussi une rare justesse des mots pour des images qui incitent à rêver.

En fervent admirateur de Stephen Sondheim, David revendique son statut de songwriter, uneprécision dans le choix des notes et l’artisanat qui consiste à enrichir la mélodie par l’harmonie. « Certes une composition doit pouvoir exister sans le texte, mais elle ne devient chanson que quand on lui associe un texte, qui devient alors le toit de la maison. » De quoi parlent ces chansons ? « Se contenter d’être autobiographique, ce serait un peu fainéant. C’est un travail d’orfèvre entre cadence et rimes. Je n’aime pas la mièvrerie. J’ai envie de joindre la réflexion à l’expérience. »

Si le titre You’ll Always Be Tomorrow évoque James Baldwin, c’est la mère de ce dernier qui répétait à David Linx « Stay in the Light ! », le titre qu’il a finalement donné à la composition du bassiste fondateur de l’Orchestre National de Barbès, Youcef Boukella. Ils avaient collaboré ensemble à un album resté à l’état de maquette suite au départ de David de chez Polydor où il avait déjà enregistré un disque en français, réalisé par Craig Street, sous la houlette bienveillante de Jean-Philippe Allard.

Les quatre compositions empruntées à ses amis instrumentistes - Stay in the Light de Youcef Boukella, This Saturday Song de Diederik Wissels,

Brooklyn de Mario Laginha et I'm Breathing out for the First Time de Grégory Privat - apportent d’autres couleurs, du relief, presque une idée de scénario dans l’architecture de l’album. Pour Brooklyn, le prénom de la fille d’un ami de David joue de l’ambiguïté avec le nom du borough new-yorkais. Il y est ainsi fait référence à la dentelle (lace), jouant à la fois de la connotation féminine et de l’architecture du célèbre Brooklyn Bridge. Avec Half Past Gone, David Linx tourne le dos à la légèreté et aux facilités souvent associées au jazz vocal, pour retrouver l’exigence dutravail qu’il a pu mener avec Diederik Wissels, Ran Blake ou Marc Ducret. Avec comme devise « necompliquons pas ce qui est simple et ne simplifions pas ce qui est complexe ».

Résolument diffèrent, It Ain't Over Till It's Done lui a été inspiré par des funérailles familiales aux États-Unis, une autre dimension à laquelle on accède par la force que l’on ressent quand on chante face à un public afro-américain. Plus léger en apparence, l’exercice de style consistant àcomposer un chorinho (Chorinho para um novo dia), le pari de rester libre harmoniquement sur16 mesures, avec une tessiture large. Une chanson qu’il a mis dix mois à apprendre à chanter.

Pour Resolution Chant, en clin d’œil aux « American Garage » et « From This Place » de Pat Metheny, David Linx retrouve un côté sale, brut, premier degré, qui offre une alternative à la sophistication des lignes croisées. Et encore le désir de se remettre en question pour David avecle fait d’entrer sur le tard sur The Growing Stone, inspiré d’une nouvelle d’Albert Camus. Pour laisser toute sa luminosité au quartet instrumental.

« Être chanteur de jazz, c’est tout sauf confortable. La pure joie de chanter m’a permis de m’inventer et puis me réinventer à chaque fois pour ne pas être invisible. Pour ne pas être dans l’ombre des vocalistes américains. La recherche et l’excellence sont ce qui rendent un/une artiste politique à des moments cruciaux. Je ne remercierai jamais assez Kenny Clarke et James Baldwin dont la présence dans ma vie m’a aidé à prendre conscience de cela. Eux aussi ont eu à s’inventer… ».

Né à La Paz en 1977 d’un père colombien et d’une mère anglaise, Leonardo Montana est d’origine brésilienne.

Nourri très tôt de musiques caribéennes et brésiliennes, il installe son jeu au fil des rencontres et des projets, avec un toucher fait de finesse, de sens du rythme et de lyrisme.

Installé en France depuis le début des années 2000, il s’est imposé comme l’un des pianistes les plus appréciés de la scène jazz française. Il a accompagné notamment Felipe Cabrera, Naissam Jalal, Anne Paceo et Omara Portuondo, et partage la scène avec le saxophoniste Samy Thiébault.

Avec le batteur Arnaud Dolmen, il forme le duo LéNo, dont l’album éponyme a été désigné album de l’année 2024 par Jazz Magazine et Jazz News. Un jazz métissé, inventif et très vivant, entre énergie rythmique, improvisation et influences caribéennes.

Trompettiste américain d’origine érythréenne, Hermon Mehari est né à Dallas et a grandi dans le Missouri. Formé à Kansas City, où il obtient son diplôme de jazz de l’UMKC.

En 2010, il remporte en 2008 le National Trumpet Competition et le Gene Harris Jazz Festival, ce qui lui ouvre les portes d’un enregistrement chez Origin Records.

Cofondateur du groupe Diverse, il joue aussi avec le saxophoniste Bobby Watson. Révélé en 2017 par son premier album Bleu (avec Aaron Parks et Logan Richardson), il poursuit avec A Change for the Dreamlike, enregistré pendant le confinement dans une grange en campagne française, puis Arc Fiction en duo avec le pianiste Alessandro Lanzoni.

Avec Asmara (2022), il explore les modes, mélodies et rythmes de l’Érythrée, avec la chanteuse Faytinga en invitée.

Installé à Paris, il est distingué par Jazz Magazine comme Artiste étranger de l’année (2022), Groupe de l’année avec No(w) Beauty (2023) et Trompettiste de l’année (2024). Sa musique se situe au croisement du jazz contemporain, des héritages afro-diasporiques et d’une grande liberté de forme.